Bu kalibrede başyapıtlarla karşılaşmak her zaman derinden etkileyicidir, özellikle de böylesine derin bir anlatıyla birleştiklerinde. Bu 20. yüzyıl İtalyan ve Amerikan ustalarının evliliği hem içgüdüsel hem de beklenmedik hissettiriyor: şiirsel, cüretkar ve ham. Koleksiyonu bu kadar sıra dışı kılan şey, bu parçalar arasındaki gizli diyalogları ortaya çıkarması ve başka türlü görülmeyebilecek nüansları ortaya çıkarmasıdır.
15 Mayıs’ta New York’ta Sotheby’s, savaş sonrası dönemin önde gelen sanatçılarının hem İtalya’da hem de Amerika’da devrim niteliğindeki başarılarını gözler önüne seren 15 olağanüstü eser sunacak. Bu sanatçılar, kendi yollarıyla, savaşın etkileri, bilimdeki radikal gelişmeler, uzay araştırmaları ve teknoloji ile çağdaşları tarafından yaratılan sanatın birleşimine yanıt veriyorlardı. Bu grupta temsil edilen sanatçılar -aralarında Lucio Fontana, Michelangelo Pistoletto, Salvatore Scarpitta, Alberto Burri, Alexander Calder ve Claes Oldenburg vardı- hepsi belirli bir şekilde tepki vermeyi, boya fırçasına ve şövaleye direnmeyi ve iki boyutlu resim düzlemine radikal jestlerle (şekillendirme, delme, yırtma ve oyma) meydan okumayı seçerek resim ile etrafındaki alan arasındaki engelleri yıktılar.
Sunulacak olağanüstü koleksiyon, Arte Povera anının başlangıcı olarak kabul edilen, Germano Celant tarafından küratörlüğü yapılan, çağı tanımlayan 1967 sergisine saygı duruşu niteliğinde Im Spazio: The Space of Thoughts adını taşıyor. Koleksiyon, bu mayıs ayında Sotheby’s Contemporary Evening Müzayedesinde toplam 30 milyon doları aşan bir tahminle satışa sunulmadan önce New York’ta halka açık olarak sergilenecek. Grup, sanatın bu anının en hevesli takdircilerinden biri olan Daniella Luxembourg’un koleksiyonundan satışa sunuluyor. Daniella Luxembourg, son elli yıldır uluslararası sanat dünyasında önde gelen bir ışık ve önemli bir güç. Arkadaşı ve eski meslektaşı Simon de Pury tarafından “sanat dünyasının büyük hanımlarından biri” olarak tanımlanıyor.
Koleksiyonda ortak bir nokta, sanatçıların uzayı ve maddiliği keşfetme arzuları ve aynı zamanda resim düzleminin üstünlüğüne meydan okumalarıdır: Fontana’nın elinin La fine di Dio’nun ışıltılı ve delinmiş yüzeyine saldırmasından Burri’nin anıtsal Cretto’sunun parçalanmış tuvaline ve Fabro’nun Sullo stato’da İtalya’nın formunu çok sayıda farklı malzemeyle yeniden şekillendirmesine kadar.
Tıpkı bu İtalyan sanatçıların geleneksel sanatsal sınırları bozup ham, alışılmadık malzemeleri benimsemeleri gibi, Oldenburg ve Calder gibi Amerikalı sanatçılar da kendi uygulamalarındaki statükoya aynı anda meydan okuyorlardı. Kullandıkları ortamlar farklı olsa da hepsi heykel ile günlük nesneler arasındaki çizgileri bulanıklaştırmaya, sıradan olanı olağanüstü bir şeye dönüştürmeye çalıştılar. Calder ve Oldenburg, Daniella’nın evinde Fontana, Burri ve Scarpitta gibi sanatçılarla diyaloğa girdiler -tüm eserlerin kendi alanlarında var olmasına izin verirken aynı zamanda aralarında ilginç etkileşimler barındırdılar. Daniella için bu eserlerin peşinde koşmak, edinimlerin kendisi kadar önemliydi. Bu eserleri, sanat tarihindeki katalizör etkileriyle tanınmalarından çok önce, öncü bir öngörüyle takip etti. Daniella’nın bu sanatçılara olan inancı o kadar büyüktü ki onları en iyi temsil ettiğini düşündüğü eserleri güvence altına almak için her yolu denemeye hazırdı; satın aldıkları, o dönemdeki önemli sanatçılar için sayısız yeni rekor kırdı (Scarpitta, Pistoletto ve Oldenburg). Eserlerin birçoğu ayrıca muazzam bir erken kökenden de yararlanıyor: Örneğin, Calder’in Armada’sı daha önce Minneapolis Sanat Enstitüsü’nün koleksiyonunda ve efsanevi koleksiyoncu Claude Berri’nin koleksiyonundaydı ve Scarpitta bir zamanlar vizyon sahibi, avangart koleksiyoncu ve galeri sahibi Michel Durand-Dessert’in koleksiyonuna aitti. Daniella’nın bu sanatçılara dair eşsiz uzmanlığı evinin duvarlarının ötesine uzanıyordu:
Bu pazarları kendisi savundu, Burri, Fontana ve Scarpitta (diğerlerinin yanı sıra) gibi sanatçılar için Luxembourg & Co.’da monografik gösteriler düzenledi.
Önemli Eserlere Bir Bakış
Savaş sonrası soyutlamanın tanımlayıcı bir şaheseri olan Concetto spaziale, La Fine di Dio, Lucio Fontana’nın en ünlü ve kavramsal olarak en iddialı serilerinden birine aittir. “Uzamsal Kavram, Tanrı’nın Sonu” anlamına gelen bu resim grubu, 1960’larda, uzayın keşfinde önemli ilerlemelerin yaşandığı ve nihayetinde Fontana’nın radikal sanatsal üretiminin sonraki on yılı için katalizör haline gelen sismik bir anda doğdu.
Lucio Fontana
Concetto spaziale, La Fine di Dioi 1963, Tahmini fiyat: 12.000.000-18.000.000 $
Bu seriyi oluşturan 38 resimden Concetto spaziale, La Fine di Dio, Fontana’nın kozmosun göksel çağrışımında çarpıcı bir görsel unsur olan parıltıyı içeren sadece on resimden biridir. Diğer iki parıltılı tuval, Madrid’deki Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía ve Milano’daki Fondazione Lucio Fontana’da sergilenmektedir. Mevcut çalışma, Fontana’nın stüdyosundan Ugo Mulas tarafından çekilen arşiv fotoğraflarında yer aldığı ve bu mayıs ayında Sotheby’s’de açık artırmada ilk kez görücüye çıktığı için özellikle önemlidir.
“Lucio Fontana’nın La Fine di Dio eserini ilk gördüğümde beni tamamen büyülemişti. Hiçbir resim ona hakkını veremezdi. Parıldayan yüzeyi, kelimenin tam anlamıyla, tuvali parlatıyor. Gerçek bir dramı var. Fontana bu özel eseri yaklaşık 50 yıl önce yaratmış olsa da resim ve heykel arasındaki sınırlara ve hatta uzayın kendisine dair geleneksel anlayışımıza meydan okuyabilme yeteneğiyle, o zamanlar olduğu kadar radikal hissettiriyor.” Grégoire Billault, Çağdaş Sanat Başkanı, Sotheby’s
Lucio Fontana, bu eserleri 1963 ve 1964 yılları arasında Zürih, Milano ve Paris’te üç önemli sergi vesilesiyle yarattı. 1960’lar, dünyanın dört bir yanında büyük bilimsel keşifler ve gelişmelere tanık oldu; en önemlisi, 63 yaşındaki Fontana’yı tamamen büyüleyen bir konu olan uzay seyahatiyle ilgiliydi. Aklında uzay olan Fontana, bu keşiflerin sanatında ortaya çıkardığı geniş kavramlardan bazılarını keşfetmeye çalıştı. Ona göre, tuval boyunca düzensiz delikler ve delikler -bir tür ay yüzeyi oluşturan- sadece resim düzlemini ihlal etmekle kalmadı, aynı zamanda izleyicinin yeni bir uzay kavramına erişebileceği portallar da açtı. Fontana’nın kendi parmak izlerinin fiziksel izi -parmaklarını tuvale fiziksel olarak bastırdığı alt bölümde görülebilir- yalnızca çok az sayıda resmin sunduğu ek bir maddi yakınlık katmanı ekler.
Alberto Burri
Nero Cretto, 1976, Tahmini fiyat: 2.500.000-3.500.000 $
Alberto Burri’nin ünlü Cretti serisinden nadir bir tuval olan Nero Cretto, on yıldan uzun bir süredir müzayedede sunulan seriden ilk anıtsal eserdir ve ikincil pazarda sunulan en büyük eserlerden biridir. Serideki 37 anıtsal Cretto resminden bu, siyah renkte yarattığı yalnızca 19’undan biridir. Cretti serisi, yaşlanan resimlerin yüzeyinde oluşan karmaşık çatlaklara atıfta bulunan Fransızca “craquelure” teriminden adını alır. Bu çatlakları önlemeyi amaçlayan geleneksel koruma çabalarının aksine, Burri bunları benimsedi ve pigmentin doğal çatlamasını derin bir estetik ve kavramsal ifadeye dönüştürdü.
1970 ile 1979 yılları arasında yaratılan Cretti serisi, Burri’nin malzeme araştırmalarının doruk noktasını temsil eder ve pigmenti kendi başına bir heykelsi madde olarak yeniden tanımlar. Beyaz çinkonun kimyasal özelliklerini reçineli bir bağlayıcı olan polivinil asetat (PVA) ile manipüle ederek imza çatlaklarına ulaştı ve yoğun impasto kururken çatladı. Son kompozisyon organik olarak ortaya çıksa da Burri karmaşık manzaralarının oluşumunu yönlendirmek için yüzeyi puanlayarak ve şekillendirerek bir miktar kontrol sağladı; şansı kasıtlı müdahaleyle dengeledi. Burri, yenilikçi malzeme ve formun korkusuzca keşfedilmesiyle geleneksel sanatın sınırlarını yıkan gerçek bir radikaldi. ‘Nero Cretto’da, yüzeyin çatlak dokusu görünüşe göre resimdeki tek yaratıcı güç haline geliyor. Son derece otantik ve güçlü bir güç duygusuna sahip. Serinin diğer eserleri Paris’teki Centre Pompidou, Roma’daki Galleria Nazionale d’Arte Moderna ve Dallas’taki Rachofsky Koleksiyonu gibi saygın müze koleksiyonlarında tutuluyor.
Alexander Calder
Armada, 1945, 5.000.000-7.000.000 $
Alexander Calder’in ünlü mobillerinin ustaca bir örneği olan Armada, sanatçının hareket, form ve dengeyi birleştirme konusundaki eşsiz yeteneğini sergiliyor. Sürekli hareket halinde asılı duran eser, çevresine akıcı bir şekilde tepki veriyor; hava akımlarına, sıcaklık değişimlerine ve izleyicilerin varlığına göre değişiyor.
Calder, heykelin en radikal katılımcılarından biridir. Hareket ve dinamizm getirerek geleneksel heykelin statik, katı formlarından kurtuldu. Bunu canlandırdı hem maddi hem de kavramsal sanatın sınırlarını zorlarken. 1945’te, II. Dünya Savaşı’nın kargaşası sırasında yaratılan Armada, karmaşık metal elemanların dinamik gerilimde asılı kaldığı formun mühendisliğine ve inşasına odaklanıyor. Yaratıcı tasarımıyla heykel, yaratıldığı dönemi yansıtan bir yoğunluk ve ustalıkla işaretlenmiş mekanik bir güç duygusu aktarıyor.
Luciano Fabro
Sullo Stato, 1970, Tahmini Fiyat: 700.000-1.000.000 $
Harekete öncülük eden figürlerden biri olan Luciano Fabro, malzemelere yönelik deneysel yaklaşımıyla heykeli yeniden tanımladı. Sanatçı, ilk çalışmalarından itibaren mermer, demir ve ahşap (burada gördüğümüz gibi) gibi geleneksel malzemeleri veya cam ve ipek gibi yenilikçi malzemeleri kullanarak heykelin kelime dağarcığının araştırılmasıyla ilgilendi.
1968’de Fabro, İtalya’nın anında tanınabilir coğrafi taslağını değişken bir kavrama dönüştürmeye başladı. Kurşun ve kristalden kağıt, demir ve hatta kürke kadar değişen malzemelerle işlenen Fabro’nun İtalya’sı kısa sürede birçok farklı biçimde kendini göstermeye başladı. Fabro, “İtalya’nın şekli,” dedi, “durağan, hareketsizdir; ellerimin hareketliliğini hareketsiz bir şeye göre ölçüyorum. İtalya, yıllar boyunca yapmaya devam ettiğim bir eskiz, not albümü gibidir: Yeni bir şey incelersem, onu bir İtalya’ya dönüştürürüm.” Bu kavramsal esneklik, Fabro’nun İtalya’nın formunu sürekli olarak yeniden çerçevelemesine ve onu yeni sanatsal ve politik fikirlerin yazılabildiği gelişen bir eskiz defteri olarak ele almasına olanak tanıdı.
Michelangelo Pistoletto
Maria nuda, 1969, 1.000.000-1.500.000 $
Michelangelo Pistoletto’nun en nadir ve aranan konuları arasında kadınlar ve sevgililer, özellikle de çıplak kadın tasvirleri yer alır. Maria nuda, Pistoletto’nun karısı ve ilham perisi olan ve konumu 19. yüzyılın Neoklasik çıplaklarına dayanan Maria Pioppi’yi içerdiği için özel bir öneme sahiptir.
Savaş sonrası İtalyan sanatının tanımlayıcı figürlerinden biri olan Pistoletto, soyutlamanın sanatsal manzaraya hakim olduğu bir zamanda figürasyonu yeniden teyit etmeyi seçenler arasındaydı. Çalışmaları, insan formunu merkezi bir konuma yükselterek klasik gelenek ile çağdaş temsil arasında bir diyaloğa girer. Maria nuda’da bu keşif, izleyiciyi içine çeken, Pistoletto’nun imza stilinde sanatı ve gerçekliği birleştiren yansıtıcı yüzey tarafından yoğunlaştırılır.
Claes Oldenburg
Soft Light Switches, 1963-69, 1.000.000-1.500.000 $
Soft Light Switches, Claes Oldenburg’un son derece nadir bir “yumuşak heykeli”dir. Mevcut eserin kardeş heykeli Nelson-Atkins Sanat Müzesi’nde yer almaktadır. Kare ışık anahtarını tasvir eden bilinen iki yumuşak vinil heykelden biri ve bu konunun özel ellerde kalan bilinen son yumuşak vinil heykeli olarak eser, Oldenburg’un eserleri arasında eşsiz bir yere sahiptir.
Pop Art’ın önde gelen isimlerinden biri olan Oldenburg, Andy Warhol ve Tom Wesselmann gibi çağdaşlarının yanı sıra kitle kültüründen ilham alarak Soyut Ekspresyonizmin ciddiyetine meydan okumuştur. İmza yaklaşımı, bilindik nesneleri büyütmeyi ve dönüştürmeyi, onların maddiliğini ve işlevini altüst etmeyi ve heykelin sınırlarını zorlamayı içeriyordu. Oldenburg, Soft Light Switches’da, doğası gereği katı bir nesneyi esnek ve organik hale getirerek beklentilere meydan okuyor. Abartılı ölçek, cesur renklendirme ve beklenmedik gevşeklik, esere gerçeküstü, antropomorfik bir nitelik kazandırıyor ve sıradan ile tekinsiz arasındaki çizgiyi bulanıklaştırıyor. Oldenburg, radikal maddi manipülasyonları aracılığıyla izleyiciyi gündelik hayatı yeniden düşünmeye davet ediyor ve bilindik olanla eğlenceli ama düşündürücü bir etkileşim yaratıyor.
